中秋国庆双节，上海进入一年中最热闹的演出档期。《剧院魅影》《风声》《摇滚浮士德》等多部热门音乐剧集中上演，成为不少外地观众奔赴上海的理由。而在百年历史街区、上生·新所的15号楼里，一部150分钟的原创国风音乐剧——《椒花颂声》，正以另一种方式吸引着观众反复走进剧场。
没有铺天盖地的宣传，没有明星演员的加持，《椒花颂声》的口碑却在社交平台上一场一场地发酵。一部取材于千年前墓志铭的小剧场作品，为什么值得这么多人认真对待？答案，藏在它自己身上。
一、主创把“考古”做成了戏
2013年，陕西咸阳出土了一方墓志。铭文结尾八个字——“千年万岁，椒花颂声”。这八个字成为《椒花颂声》整部剧的核心意象，也决定了它的创作底色：不戏说，不消费，只是试图从历史缝隙里打捞一段被正史轻描淡写的情谊。
《椒花颂声》的导演苏星月，是个低调的年轻人。她接受采访时坦言，一开始创作这个故事完全是出于个人兴趣，“我喜欢历史，同时觉得这个题材可以承载很多想表达的内容，有创作的冲动”。剧本第一稿成型后，她带着主创团队前往陕西、河南、山西等地采风，走访半年后回来反复修改、打磨。“所有的创意并不是空穴来风，而是基于对历史题材的敬畏，再进行相应的艺术加工。”就像“椒花颂”典出《晋书·列女传》，本是新年祝颂之辞，剧中太平公主将其化入悼词，吉祥语瞬间成了悼亡之音。
“戏剧即审美”，在这个主创团队看来，文学的底蕴、灯光的情绪、舞美的厚重、配器的精巧，影像的表达，缺一不可，它们共同构成观众走进剧场那一刻的全部感受。这种对细节的极致追求，渗透在《椒花颂声》的每一处。先行曲《问佛》发布后，有资深音乐剧观众评价“编曲好听得不像中文音乐剧”；《彩楼评诗》里“天地万物之客舍，行者无疆，笔落千秋，无悔无愧于诗才”，是婉儿以一己之才称量天下的孤傲；返场曲那句“纵然青丝成雪也同去，纵然玉碎珠沉也无惧”，则是两个女性跨越生死的知己誓言。全剧音乐融合戏曲、流行、电子、摇滚等元素，150分钟的演出里，音乐不是填充时间的工具，而是叙事的骨血，是一种文学与听觉的双重审美。
二、观众在repo里“拼”出完整的戏
《椒花颂声》驻演于上生·新所曌剧场，一个为这部剧专门打造的四面台沉浸空间，所有视觉和音响方案反复推翻，仅设计到搭建出这个空间，就耗时两年。有观众在社交平台的repo里写道：“一进剧场感受到了诚意，视觉密度远超一般小剧场体量。”
走进剧场，第一眼会被置景震撼：紫宸殿方位，一棵血红的枫树立于一侧，华美厚重的红色帘幕低垂。含元殿上铺满墙面的飞鹤、祥云等手绘的壁画彰显盛唐气象，楼阁窗影朦胧，暗处盘根错节的影子若隐若现。而武德殿的手绘质感又呈现出极具厚重与冰冷的气质。甚至在很多观众不易察觉的地方设计了鸱吻、铜雕、铺陈金箔等进行点缀，细节上精心打磨。伴随着剧目演出过程中，各个空间还有巧思变化，完美匹配着剧目表达和视觉审美。整个布局提取了唐代建筑结构、榫卯形制、纹样、雕塑、绘画等意象，构建出既古典又极具沉浸感的视觉空间。
灯光设计更是被反复讨论：《蝼蚁》唱段中，全场光影从黑白逐渐变红，像烟一样袅袅升起，预示的是灾难与流血；《困兽之斗》唱段中，当“牢笼”般的绿色激光亮起，观众被直接包裹进那座权力的囚笼；最后一曲《问佛》响起，屏风缓缓拉开，佛像从暗处缓缓浮现时——灯光与舞美配合带来克制又沉静庞大的视觉冲击，被不少观众称为全剧最难忘的瞬间之一。
舞台被观众席环绕，坐在任何位置都能看到演员的走位与表情变化。但四面台的剧场天然有声学短板，要做到听觉上的高要求必然是一个挑战，剧场音响技术团队特地加入了现场根据音箱实时状态现场混音的设计环节，确保沉浸质感。设计上按观众席做了独立区块划分，让每一个观演区域单独做多点位音箱覆盖，实时匹配演员走位与情绪，匹配四面台相当于做了四个小剧场。有观众在repo里写道：“大段高音solo稳得离谱，连弱声气音都能清清楚楚铺满整个四面台。”无论坐在哪个角落，都能听清演员的每一声吟叹。这一切，都让“小剧场大制作”不再是一句宣传口号，而是观众走进去就能感受到的重工质感。
这种“拼”的过程，在社交平台上随处可见。《椒花颂声》的信息量，大到一个人一次看不完。有人记住了某句歌词，有人为一支唱段反复进场，散场之后，大家自发写repo、互相印证，补充彼此漏掉的细节，用各自的碎片拼出一部完整的戏。
三、知己情、困兽与蝼蚁：藏在歌词与台词里的锋芒
《椒花颂声》最动人的地方，在于它用音乐把两个女性之间的知己之情写进了每一句唱词里。《问佛》中“若世人谤你，我还你清白；世人讥讽我，我亦无所惧”，写的是太平与婉儿在权力漩涡中彼此守护的决绝，也是太平最后选择用生命书写的反抗：为婉儿证名，也为自己证名，书写这个行为本身就是一种对固有叙事最高级的反抗。《须臾》则用“天地无终极，浮生若朝霞”把盛唐的绚烂与人世的短暂写进旋律。《花与剑》中那句“一朝风云际会，女儿身拓前程，大钟为你我而鸣”，更是唱出了两位女性在男权社会中携手前行的力量感。
而这部剧的深度，不止于婉平情谊。李隆基在剧中的形象处理十分耐人寻味。有观众注意到，李隆基全剧服装都是黑色，被形容为“阴湿男鬼”——他的童年是黑暗的，这种被权力异化的阴郁，恰恰构成了婉儿与太平情谊的对照。他不是简单的反派，而是同样被困在那套权力系统之中，并最终成为了权力系统的一部分。“谁是困兽？”、“你会剜心照夜，还是以血为烛？你会焚诗祭鼎，还是提笔写赋？”到最后当太平与婉儿隔空唱出了那句“千年万岁，椒花颂声”即进行了回答。唯一能超越权力的，是人与人之间的真情。或许历史长河漫漫什么都留不下，终究尘归尘土归土，可到今日还动人的却是曾经两个历史上的“失败者”留下的痕迹。
长童这个角色则承担了更特别的叙事功能。他不是历史上有名有姓的人物，却像一根红线连接古今、连接婉儿与公主，也连接剧场与戏剧。他的唱段融入大量戏腔与贯口，用快嘴的方式唱一个时代的变化对底层百姓的影响。剧中有一句台词，长童说“我们都只活在历史的边缘”，随即又否定自己——“不对，历史上根本没我们。”这个角色正是代表了在乱世中像蝼蚁一般活着的普通人，他见证着宏大叙事之下那些不被记载的生命，亦是作品人文情怀的底色。
婉儿的彩楼评诗，还藏了另一层锋芒。演出中还原了婉儿站在彩楼上品评天下诗文的场景，升降高台升起，多媒体投影配合，婉儿看一页扔一页。但这场戏的台词写的不只是盛唐——“名利迷人眼，不思专业功”，台词里一连串的诘问掷地有声：是否做人做事按套路就行？是否浮词艳句能平步青云？是否阿谀奉承比刚直更有前景？是否青云仕途比坚守更有吸引？是否趋炎附势是世间正理？是否朱门酒宴胜民间苦辛？
这些问题放在一部讲述盛唐女性的音乐剧里，不突兀，反而成立。因为上官婉儿和太平公主本身就是在权力缝隙中靠才华和坚守活下来的人。她们的知己之情之所以动人，恰恰是因为她们懂得彼此在“套路”与“刚直”之间做出的选择。这也是《椒花颂声》立意高的地方——它不满足于讲一个好看的故事，而是借古喻今，把对行业、对社会的观察藏进每一句唱词里。
值得一提的是，每一组卡司带来的表演风味都不一样。不同演员对同一段唱腔的处理、对同一句台词的重音落点，都会让角色的层次发生微妙变化。如党韫葳与蔡忻如的组合被观众形容为“温润又藏着锋芒”与“气场拉满”的碰撞，而王婉娜、田梦的组合则是另一种气质：婉儿的文人傲骨配上一身书卷气，戏腔如鱼得水；太平的声音玲珑清脆，从少女的娇纵明媚唱到历尽风霜的决绝，声线里的反差被观众反复提起。观众在不同场次里看到的婉儿和太平，有着各自的温度与棱角。未来剧组还会持续更新卡司阵容，期待新的组合带来的全新化学反应。
把《椒花颂声》放进今年双节档期的上海音乐剧版图里看，它的位置很特别。它不是大IP，也不靠“沉浸式”的概念噱头，做的事情其实很“笨”：手绘手搓出了一个“盛唐”空间，打磨剧本，打磨音乐，打磨每一个让观众愿意二刷的细节。150分钟里，这部剧塞进了太多东西：历史的、音乐的、舞台的、情感的。让走进剧场这件事，变得物有所值。
不止双节假期，上海的夜晚一直有很多选择。但如果你愿意花150分钟，坐在一个四面台的小剧场里，看两个盛唐女性如何在权谋的缝隙中守住一份知己之情，你大概会理解那些写下长文repo的观众。他们不是在安利一部剧，他们是在说：这个东西，值得你亲自走进这个空间来感受。
（本文来源：信阳日报。本网转发此文章，旨在为读者提供更多信息资讯，所涉内容不构成投资、消费建议。对文章事实有疑问，请与有关方核实或与本网联系。文章观点非本网观点，仅供读者参考。）
中秋国庆双节，上海进入一年中最热闹的演出档期。《剧院魅影》《风声》《摇滚浮士德》等多部热门音乐剧集中上演，成为不少外地观众奔赴上海的理由。而在百年历史街区、上生·新所的15号楼里，一部150分钟的原创国风音乐剧——《椒花颂声》，正以另一种方式吸引着观众反复走进剧场。
没有铺天盖地的宣传，没有明星演员的加持，《椒花颂声》的口碑却在社交平台上一场一场地发酵。一部取材于千年前墓志铭的小剧场作品，为什么值得这么多人认真对待？答案，藏在它自己身上。
一、主创把“考古”做成了戏
2013年，陕西咸阳出土了一方墓志。铭文结尾八个字——“千年万岁，椒花颂声”。这八个字成为《椒花颂声》整部剧的核心意象，也决定了它的创作底色：不戏说，不消费，只是试图从历史缝隙里打捞一段被正史轻描淡写的情谊。
《椒花颂声》的导演苏星月，是个低调的年轻人。她接受采访时坦言，一开始创作这个故事完全是出于个人兴趣，“我喜欢历史，同时觉得这个题材可以承载很多想表达的内容，有创作的冲动”。剧本第一稿成型后，她带着主创团队前往陕西、河南、山西等地采风，走访半年后回来反复修改、打磨。“所有的创意并不是空穴来风，而是基于对历史题材的敬畏，再进行相应的艺术加工。”就像“椒花颂”典出《晋书·列女传》，本是新年祝颂之辞，剧中太平公主将其化入悼词，吉祥语瞬间成了悼亡之音。
“戏剧即审美”，在这个主创团队看来，文学的底蕴、灯光的情绪、舞美的厚重、配器的精巧，影像的表达，缺一不可，它们共同构成观众走进剧场那一刻的全部感受。这种对细节的极致追求，渗透在《椒花颂声》的每一处。先行曲《问佛》发布后，有资深音乐剧观众评价“编曲好听得不像中文音乐剧”；《彩楼评诗》里“天地万物之客舍，行者无疆，笔落千秋，无悔无愧于诗才”，是婉儿以一己之才称量天下的孤傲；返场曲那句“纵然青丝成雪也同去，纵然玉碎珠沉也无惧”，则是两个女性跨越生死的知己誓言。全剧音乐融合戏曲、流行、电子、摇滚等元素，150分钟的演出里，音乐不是填充时间的工具，而是叙事的骨血，是一种文学与听觉的双重审美。
二、观众在repo里“拼”出完整的戏
《椒花颂声》驻演于上生·新所曌剧场，一个为这部剧专门打造的四面台沉浸空间，所有视觉和音响方案反复推翻，仅设计到搭建出这个空间，就耗时两年。有观众在社交平台的repo里写道：“一进剧场感受到了诚意，视觉密度远超一般小剧场体量。”
走进剧场，第一眼会被置景震撼：紫宸殿方位，一棵血红的枫树立于一侧，华美厚重的红色帘幕低垂。含元殿上铺满墙面的飞鹤、祥云等手绘的壁画彰显盛唐气象，楼阁窗影朦胧，暗处盘根错节的影子若隐若现。而武德殿的手绘质感又呈现出极具厚重与冰冷的气质。甚至在很多观众不易察觉的地方设计了鸱吻、铜雕、铺陈金箔等进行点缀，细节上精心打磨。伴随着剧目演出过程中，各个空间还有巧思变化，完美匹配着剧目表达和视觉审美。整个布局提取了唐代建筑结构、榫卯形制、纹样、雕塑、绘画等意象，构建出既古典又极具沉浸感的视觉空间。
灯光设计更是被反复讨论：《蝼蚁》唱段中，全场光影从黑白逐渐变红，像烟一样袅袅升起，预示的是灾难与流血；《困兽之斗》唱段中，当“牢笼”般的绿色激光亮起，观众被直接包裹进那座权力的囚笼；最后一曲《问佛》响起，屏风缓缓拉开，佛像从暗处缓缓浮现时——灯光与舞美配合带来克制又沉静庞大的视觉冲击，被不少观众称为全剧最难忘的瞬间之一。
舞台被观众席环绕，坐在任何位置都能看到演员的走位与表情变化。但四面台的剧场天然有声学短板，要做到听觉上的高要求必然是一个挑战，剧场音响技术团队特地加入了现场根据音箱实时状态现场混音的设计环节，确保沉浸质感。设计上按观众席做了独立区块划分，让每一个观演区域单独做多点位音箱覆盖，实时匹配演员走位与情绪，匹配四面台相当于做了四个小剧场。有观众在repo里写道：“大段高音solo稳得离谱，连弱声气音都能清清楚楚铺满整个四面台。”无论坐在哪个角落，都能听清演员的每一声吟叹。这一切，都让“小剧场大制作”不再是一句宣传口号，而是观众走进去就能感受到的重工质感。
这种“拼”的过程，在社交平台上随处可见。《椒花颂声》的信息量，大到一个人一次看不完。有人记住了某句歌词，有人为一支唱段反复进场，散场之后，大家自发写repo、互相印证，补充彼此漏掉的细节，用各自的碎片拼出一部完整的戏。
三、知己情、困兽与蝼蚁：藏在歌词与台词里的锋芒
《椒花颂声》最动人的地方，在于它用音乐把两个女性之间的知己之情写进了每一句唱词里。《问佛》中“若世人谤你，我还你清白；世人讥讽我，我亦无所惧”，写的是太平与婉儿在权力漩涡中彼此守护的决绝，也是太平最后选择用生命书写的反抗：为婉儿证名，也为自己证名，书写这个行为本身就是一种对固有叙事最高级的反抗。《须臾》则用“天地无终极，浮生若朝霞”把盛唐的绚烂与人世的短暂写进旋律。《花与剑》中那句“一朝风云际会，女儿身拓前程，大钟为你我而鸣”，更是唱出了两位女性在男权社会中携手前行的力量感。
而这部剧的深度，不止于婉平情谊。李隆基在剧中的形象处理十分耐人寻味。有观众注意到，李隆基全剧服装都是黑色，被形容为“阴湿男鬼”——他的童年是黑暗的，这种被权力异化的阴郁，恰恰构成了婉儿与太平情谊的对照。他不是简单的反派，而是同样被困在那套权力系统之中，并最终成为了权力系统的一部分。“谁是困兽？”、“你会剜心照夜，还是以血为烛？你会焚诗祭鼎，还是提笔写赋？”到最后当太平与婉儿隔空唱出了那句“千年万岁，椒花颂声”即进行了回答。唯一能超越权力的，是人与人之间的真情。或许历史长河漫漫什么都留不下，终究尘归尘土归土，可到今日还动人的却是曾经两个历史上的“失败者”留下的痕迹。
长童这个角色则承担了更特别的叙事功能。他不是历史上有名有姓的人物，却像一根红线连接古今、连接婉儿与公主，也连接剧场与戏剧。他的唱段融入大量戏腔与贯口，用快嘴的方式唱一个时代的变化对底层百姓的影响。剧中有一句台词，长童说“我们都只活在历史的边缘”，随即又否定自己——“不对，历史上根本没我们。”这个角色正是代表了在乱世中像蝼蚁一般活着的普通人，他见证着宏大叙事之下那些不被记载的生命，亦是作品人文情怀的底色。
婉儿的彩楼评诗，还藏了另一层锋芒。演出中还原了婉儿站在彩楼上品评天下诗文的场景，升降高台升起，多媒体投影配合，婉儿看一页扔一页。但这场戏的台词写的不只是盛唐——“名利迷人眼，不思专业功”，台词里一连串的诘问掷地有声：是否做人做事按套路就行？是否浮词艳句能平步青云？是否阿谀奉承比刚直更有前景？是否青云仕途比坚守更有吸引？是否趋炎附势是世间正理？是否朱门酒宴胜民间苦辛？
这些问题放在一部讲述盛唐女性的音乐剧里，不突兀，反而成立。因为上官婉儿和太平公主本身就是在权力缝隙中靠才华和坚守活下来的人。她们的知己之情之所以动人，恰恰是因为她们懂得彼此在“套路”与“刚直”之间做出的选择。这也是《椒花颂声》立意高的地方——它不满足于讲一个好看的故事，而是借古喻今，把对行业、对社会的观察藏进每一句唱词里。
值得一提的是，每一组卡司带来的表演风味都不一样。不同演员对同一段唱腔的处理、对同一句台词的重音落点，都会让角色的层次发生微妙变化。如党韫葳与蔡忻如的组合被观众形容为“温润又藏着锋芒”与“气场拉满”的碰撞，而王婉娜、田梦的组合则是另一种气质：婉儿的文人傲骨配上一身书卷气，戏腔如鱼得水；太平的声音玲珑清脆，从少女的娇纵明媚唱到历尽风霜的决绝，声线里的反差被观众反复提起。观众在不同场次里看到的婉儿和太平，有着各自的温度与棱角。未来剧组还会持续更新卡司阵容，期待新的组合带来的全新化学反应。
把《椒花颂声》放进今年双节档期的上海音乐剧版图里看，它的位置很特别。它不是大IP，也不靠“沉浸式”的概念噱头，做的事情其实很“笨”：手绘手搓出了一个“盛唐”空间，打磨剧本，打磨音乐，打磨每一个让观众愿意二刷的细节。150分钟里，这部剧塞进了太多东西：历史的、音乐的、舞台的、情感的。让走进剧场这件事，变得物有所值。
不止双节假期，上海的夜晚一直有很多选择。但如果你愿意花150分钟，坐在一个四面台的小剧场里，看两个盛唐女性如何在权谋的缝隙中守住一份知己之情，你大概会理解那些写下长文repo的观众。他们不是在安利一部剧，他们是在说：这个东西，值得你亲自走进这个空间来感受。
（本文来源：信阳日报。本网转发此文章，旨在为读者提供更多信息资讯，所涉内容不构成投资、消费建议。对文章事实有疑问，请与有关方核实或与本网联系。文章观点非本网观点，仅供读者参考。）
